然后这个清单上就画了当时他们吃的东西。所以今天我们尽可能复刻他们当年吃的啊。大家看这是什么？

面包。

然后呢，这是葡萄酒。

非常托斯卡纳的葡萄酒。就是那个时代的，就是米开朗基罗家乡产的。

然后还有这个蔬菜，这个芜菁，然后，他的意思是他要买四个面包，然后买这么一扎葡萄酒。还大小都比画出来的。然后这个怎么怎么摆盘，然后还有两种鱼，反正都是咸鱼了，因为当时在罗马很难买到新鲜鱼，大多都是腌制的。

好。就是这样的一个午餐，还有，它里边还说到了还有意大利饺子。

然后下午呢，我们会体验一下，当年拉斐尔为了创作这个象征着文艺复兴的黄金时代的这个雅典学院，他做的准备素描。

大家在大都会的现场能看到这幅画。所以大家上手画一画。

哇这个我们在现场看了觉得哇非常的激动，这个就是几百年来学院派教育。就是我们少年时代受到的这个学院教育系统的大宗师。

如此举重若轻，行云流水般的这种来处理他的这个人物形象，而且这每个人物都还很有历史的深意，像刚才我们的介绍。

大家不用紧张哈，这个零基础友好，我们提前做了一点点功课，所以大家上手就能画。

在意大利式茶歇之后呢，我们就再来第二张，就是这个大师的工作室。我们知道拉斐尔不是一个人在孤军奋战，他手下有几十个合作方，大部都是当时优秀的这些艺术家，各方面的精英。他怎么样协调大家一起工作？

那有一种很重要也很经典的方法，就叫格子画法。

就是大师画一个素描。

然后呢，他和他的合作者或者他的高徒，就怎么样把这个放放到一个很大的上面呢？当时没有投影机，也没有数字打印那怎么办呢？那就打格子。打若干的方格。然后呢，他在同样在一个很大的画布上，也打上方格，然后就这样通过这个方格就建立一个坐标系，然后把这个平移到那个特定的那个位置上去。所以大家今天是拉斐尔的高徒，我们也试试这个办法，这是文艺复兴几百年来最经典的办法。

相信有了这两项训练，大家再去大都会的展场。

就不再是这个素人小白，而是深度介入到拉斐尔工作里去。

特别建议朋友们完成这两张之后，去纽约一定带上啊，在原作前面，拿出来。

跟拉斐尔跨越时空对个话。

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Attribution:

(1:52)

A Street Through Time: A 12,000-Year Journey Along the Same Street by Steve Noon (Illustrated) and Anne Millard (Author). Published by DK (Dorling Kindersley). Updated edition, ISBN: 978-1-4654-9063-6. © Dorling Kindersley Limited. All rights reserved. Page shown for educational/commentary purposes.

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(0:43)

Night view of the Parthenon, Athens.

© B.Stefanov/stock.adobe.com

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Parthenon

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Encyclopædia Britannica

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Encyclopædia Britannica

- URL

https://www.britannica.com/topic/Parthenon#/media/1/444840/159013

- Access Date

April 1, 2026

这里是视频内容的完整逐字转录：

凯尔特人被认为是生活在英伦半岛的边缘，如爱尔兰、苏格兰的部分。虽然他们自称为凯尔特族裔，但通过这次展览，我们会惊讶地发现，凯尔特文明曾是一个与希腊、罗马并行长达千年的巨大古代文明网络。

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在历史学的世界中有一个很有趣的现象，叫文献霸权。说白了就是，在历史上，谁能说，谁爱写，谁就占据了后世的叙事主动权。

Ancient Roman Manuscript

Source: Vergilius Vaticanus (Folio 52r), Vatican Library / Wikimedia Commons. Public Domain.

比如说，如果对比凯尔特人，虽然他们也是一个非常古老的文化系统，但是和他们并存千年的希腊和罗马人，那可是天然的爱说爱写。大量的历史叙述、大量的传说乃至大量的图像，都把他们的北方邻居凯尔特人塑造成了野蛮族群，barbarians。

Ancient Greek Papyrus

Source: Papyrus letter in Greek, Metropolitan Museum of Art / Wikimedia Commons. Public Domain (CC0). Link

The Dying Gaul

Source: The Dying Gaul (Capitoline Museums), Capitoline Museums / Wikimedia Commons. Public Domain. Link

哎，凯尔特人百口莫辩啊，谁让老祖宗不大爱写字呢！

Celtic Warrior Figurine

Source: Celtic Warrior Figurine, British Museum / World History Encyclopedia. Public Domain / CC BY-NC-SA. Link

凱爾特族群與凱爾特藝術貢獻給整個中世紀藝術最顯著的特徵，莫過於其獨特的「盤曲紋」。

在中世紀修道院的寫本中，那些在字母之間纏繞交織的藤蔓、字體與花飾，其源頭皆可追溯至凱爾特人的民間藝術形式與其信仰模板。凱爾特人深信，這種捲曲且無窮無盡的圖案猶如一座迷宮，具有神聖的防禦力量：它能將惡魔困於迷宮之外，進而給予靈魂必要的保護。

這正是為何我們在凱爾特藝術中，能見到如此多複雜捲曲紋與繩結紋的哲學根源。而這套美學系統，也與希臘羅馬藝術中強調簡潔、鮮明的圖案系統，形成了極其鮮活的對比。

Celtic Pattern (above) vs. Rome Pattern (below)

欧洲国家历来是海洋强国，并且不断更迭。过去我们的课程，其背景都在于制海权的争夺与更迭。大家看国旗，红白蓝，还有这边，这两个实际上代表了过去我们常说的，新教荷兰和传统的西班牙海上帝国争夺海上霸权。

这场争夺有其历史节点。1588年，西班牙无敌舰队在英吉利海峡遭遇惨败，标志着西班牙海上霸权开始动摇。而荷兰在经历了长达八十年的独立战争（1568–1648年）之后，正式脱离西班牙统治，迅速崛起为新的海上强国。十七世纪被称为荷兰的”黄金时代”，荷兰一度控制了全球最重要的贸易航线。

大家看荷兰的士兵很英勇，前面是狮子，这边是圣母抱着圣子。这伴随着制海权的争夺，背后有宗教意识形态的区别，有经济冲突，有文化冲突，最后就是制海权的不断更迭。

这种冲突不只是军事上的，更是制度上的。1602年，荷兰成立了荷兰东印度公司（VOC），这是世界上第一家向公众公开发行股票的股份制公司，将商业资本与国家力量深度结合，使荷兰得以在亚洲、非洲和美洲同时开展贸易与殖民活动。

就像上次课程里说的，盘子是中国进口的，糖是巴西奴隶种植园产出的，其他所有东西都来自世界各地，有南美洲、南亚、中国、欧洲其他国家，汇集到荷兰人的早餐桌上、点心桌上，成为我们称之为四五百年前的一种全球化，由海洋时代展开。

这张早餐桌的背后，是无数被强迫劳动的奴隶、被掠夺资源的殖民地，以及被垄断的贸易航线。所谓的全球化，从一开始便伴随着深刻的不平等。荷兰之后，英国接过了制海权的接力棒，延续并扩大了这一体系，直至近现代。理解这段历史，是理解今日世界格局的重要起点。

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凯尔特艺术，穿越时空之美。前几天是美国东部一个非常重要的节日，St. Patrick’s Day。这是凯尔特文化的传统节日，很多美国人都会穿上代表春天的绿色服装，参加社区集会和游行庆典。

但在美国的公众艺术史上，其实从未对凯尔特艺术，进行过完整而深入的梳理。我们虽然熟悉这个名词，但更多的是来自于一支球队、一个地区或者是一个节日。我们似乎不太清楚凯尔特，背后到底是一个什么族群、一种什么样的文化或艺术形式，和历史现象。

直到今年3月，哈佛艺术博物馆 (Harvard Art Museums)，才在全美的艺术展览史上，首次推出了名为《凯尔特人：穿越时空之美》的展览。

https://harvardartmuseums.org/exhibitions/6342/celtic-art-across-the-ages

Attribution for images used:
Image by Dimuth Amarasiri from Pixabay
Image by Elias from Pixabay
Kenneth Allen / Saint Patrick’s Day Parade, Omagh - (53)

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Hua Yan, Public domain, via Wikimedia Commons

Ferdinand Pauwels, Public domain, via Wikimedia Commons

Tolnai korabeli kép alapngmfcján (Gottfried- Történelmi krónika), Public domain, via Wikimedia Commons

By Alvesgaspar - Own work, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=43509289

By Daderot - Own work, CC0, https://commons.…

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但是你知道嗎？奧古斯丁在歷史上很有传奇色彩，首先是他的精神旅程，其次是他的影响力在千年之后反而愈演愈烈。

首先，他年輕的時候並不是一個基督教徒，而是一位摩尼教徒。

「啊？摩尼教？」

對。他在公元4世紀期間，曾經在北非接觸到了當時非常國際化的宗教——摩尼教。這是由波斯人所創立，然後沿著整個絲綢之路在東西方傳播。在同時代，也有很多的粟特人進入到中國，他們中很多人也是虔誠的摩尼教徒。

所以你可以想像一下，在接受摩尼教學習之後，奧古斯丁本來就有可能憑藉他傑出的修辭學才能，作為傳教骨幹前往東方。那他也可能到中國，到北朝的首都平城或者是洛陽、長安。說不定他的形象也會被…

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我发现，从中世纪到文艺复兴的演变，是否就是一部不断定义谁是 Barbarians “土包子“的历史？或者用更学术的语言来表述，这是一部话语权、时尚权与文化软实力不断转移的榜單？

纵观历史，这种“鄙视链”的位移清晰可见： 古希腊人曾认为所有外邦人都是文化低地，是蛮夷；到了罗马时代，除了罗马本土，地中海以外的其他地区都被视为文化的沙漠。 随着西罗马帝国陷落，东罗马（拜占庭）帝国接过话语权，在其后的五到十世纪间，他们视整个西欧为蛮夷占据的文化荒漠，认为只有自己才是歷史的正统。

尽管中世纪并非铁板一块的黑暗，但随着锡耶纳、佛罗伦萨、威尼斯和罗马等意大利城邦國家的复兴，新的文化高峰出现了。有高峰自然就有低谷，意大利人开始将阿尔卑斯山以北的地区统统定义为“文化低地”，也就是我们所说的“土包子”。

隨著大航海時代的到來，伊比利亞半島的西班牙與葡萄牙雄踞在鄙視鏈的頂端，他們最看不上的就是東北角的法國老鄉，粗鄙的直掉香粉渣渣。

然而，风水轮流转。 在路易十四的加持下，法国逐渐成为新的时尚与艺术之都。此时法国人眼中的“土包子”变成了四分五裂、灰头土脸的德国人。 而隔着英吉利海峡、在当时看来比文艺复兴落后了整整百年的英国，则是另一个格格不入的“不入流”角色。直到十六世纪，英国才慢慢回过神来。

但这还没完，当英国最终成为世界强国时，他们心目中的荒蠻之邦又是哪里呢？是北美十三州的殖民地，也就是美國的誕生地。

这让我想到一位史学家的话：“所有的历史都是当代史。” 如果我们换个角度看，那些历史上一个又一个曾被定义为“土包子”的国家或地区，在被轻视中继续探索、一往无前，往往最终成为了历史的后来居上者。

佛教經典《金剛經》說的「是法平等，無有高下。」：這些標籤都是虛妄的，誰當真誰就輸了。 那些自以為處於鄙視鏈頂端的人（如羅馬帝國），往往因為執著於這個「名相」，反而停滯不前；而被定義為「土包子」的人，因為不受這個名相的束縛，反而能「應無所住而生其心」，創造出新的活力。難怪聖經中也多處強調說“被輕視的人有福了”（哥林多前书），“后来的将在前”（马太福音）。

这给我带来了一个有趣的思考：也许今天那些被轻看、被忽视的文化族群或力量，明天或许就能成为主导潮流的生产者？

这一切都未可知，唯有拋擲給這段小小的暗黑心得。

今天我想分享一幅我的畫。這幅畫雖然還沒有完成，但是我覺得它正好和現在的 Homer 畫展有一種內在的聯繫。Homer 也給了我很多啟發。

這幅畫來自於去年夏天我們全家去 Cape Cod 的經歷，

在 7 月 4 號，我們在海邊見到了國慶的煙火表演。也見到了應該是來自南亞的新移民，站在海邊望向海洋的那種感覺。我把這兩個場景綜合到了一起。

就像Homer 在他的煙火主題的繪畫中所思考的那樣，獨立日煙火的華彩與轟鳴中，促發人們不由得去思考哲學家的終極三連問：我們是誰，我們從哪裡來，我們到哪裡去？

一個交織著絢爛與沈默，非常複雜、深沉的情境。

這幅畫我還沒有完全畫完。我會繼續進展，然後再跟大家分享。

1870 年代的法国，当莫奈（Claude Monet）正在海港边写生，画出了改变美术史的作品《印象·日出》的时候，在美国的海边，霍默（Winslow Homer）也在探索他的风景写生油画。

如果我们把霍默和莫奈的这些作品放在一起比较，我们会发现他们几乎同步，霍默甚至更早一些。他们不约而同地探索了在外光下环境、自然光线、冷暖这些综合的影响，并且用一种一笔草草的活跃笔触把它们画了出来。

然后，他们也都遭遇到了相似的恶评。于是莫奈被认为是用拖布在画画的野蛮人，而霍默画的海浪，则被嘲讽为是一个恶作剧的男孩把口水吐在了墙上。

唉，看来想成为一代宗师，抗嘲讽能力必须得好。

一說到水彩畫，我們馬上就會想到，那均勻的罩染，淡雅的色彩，以及田園詩般的體裁，人畜無害的體裁。是的，沒錯，如果我們看水彩畫的發源地——英國，水彩大體如此（透納晚年除外，將擇期單講）。

可是，可是當我們在 MFA（波士頓美術館）看霍默的水彩畫時。你卻會驚嘆，在霍默的水彩畫上所呈現出來的材料跌宕起伏、力度、色彩的純度以及技法的多樣性，遠遠超出了我們日常對於水彩的那種刻板印象。

霍默使用刮擦來使得他的水彩畫紙更富質感，讓顏料表達更豐富的色彩層次與質地，通過厚塗法與強烈的筆觸，表現暗鬱與危機。通過罩染加擦除法，表現那些隱隱若現的、只有24小時生命的、寄蜉蝣於天地的小飛蟲——蜉蝣。通過他的色彩強烈的並置，表現山區老嚮導那老頑童般的生命活力。

這些都是我們在原作前所能夠體驗到的大師魅力。也正是這種能量，促使霍默成為了水彩畫的一代宗師。

1871年，当霍默（Winslow Homer）正在海岸、渔村与山峦上挥毫绘制他那酣畅淋漓的水彩画时，在英国的牛津大学，罗斯金（John Ruskin）也成为了牛津历史上第一位绘画艺术教授。同时，罗斯金也开创了他的美术学校，用来教授社会公众如何通过绘画学习“观看”。

同时，这位罗斯金正是大名鼎鼎的博物馆公共教育与艺术理论的奠基者。他特别强调，公众通过进入博物馆与艺术、历史相接触，对社会的成长、对人的健康和身心灵的和谐有着至关重要的作用。因为他相信，在博物馆里对历史与艺术的学习和连接、观看，是人类抵御工业革命以来技术浪潮与疏离自然、异化所带来的压力感、碎片化、空心化的一种非常重要的疗愈方式。

他也指出，艺术就是帮助人们重新面对真实、面对自然。从这个角度讲，霍默和罗斯金可以视为跨越大西洋的志同道合者。他们都通过直接的艺术追求和哲学理念去表达世界、塑造社会。

罗斯金教授曾特别强调，如果有条件，应尽可能在原作面前进行观赏。因为这是一种极其重要的“连接”：你可以想象当年大师创造这些作品时，就像进入了一种“结界”状态，将能量、智慧、观察与技巧都封印在画中。

通过“看”的过程，就像是与艺术家、与历史、世界产生一种心灵和视觉的连接，将能量与智慧感悟带给你。这也是为什么博物馆之旅在当今社会如此风行且深受喜爱——因为那是我们进入能量场去赋能、疗愈、充电并寻找自我的极佳途径。

众所周知，由于水彩画脆弱的特性，极易在紫外线下发生变色，因此本次 MFA 展出的 50 多幅霍默水彩作品都非常难得一见。在 1 月 19 日展览结束后，将进入长期的库房避光期。我们将在未来很长一段时间内无法再看到这些作品。

本周五，我们将通过“观看”开启一场身心灵赋能之旅。

Subject: John Ruskin (1819–1900)， 他也是一位卓有建树的业余水彩画家，以下是他的四幅水彩绘画作品及系统收藏他作品的英国谢菲尔德博物馆。

Artist/Photographer: This specific portrait is an anonymous daguerreotype (often attributed to his valet/assistant Frederick Crawley or John Hobbs).

Date: Circa 1845–1850.

Original Format: Daguerreotype.

Archive/Collection: Copies of this portrait and related Ruskin daguerreotypes are held at The Ruskin Museum in Coniston and The Ashmolean Museum.

Title: Artists Sketching in the White Mountains

Artist: Winslow Homer

Date: 1868

Medium: Oil on panel

Dimensions: 24.1 × 40.3 cm

Current Location: Portland Museum of Art (Bequest of Charles Shipman Payson)

Context: This scene depicts fellow artists painting en plein air in New Hampshire, reflecting the 19th-century surge in landscape tourism and outdoor sketching.

通过霍默最具代表性的水彩作品之一《山间向导系列》，我们可以从原作的细节看到他对笔触和色彩的生动运用。

Title: The Adirondack Guide

Artist: Winslow Homer

Date: 1894

Medium: Watercolor over graphite on paper

Dimensions: 38.5 × 54.6 cm

Current Location: Museum of Fine Arts, Boston (Bequest of Mrs. Alma H. Wadleigh)

Context: Part of a series capturing the Adirondack wilderness, this piece highlights Homer’s mastery of watercolor and his focus on the intimate relationship between the guide and his natural environment.

Henrietta Maria Benson Homer

1809-1884

Rocket Ship

Winslow Homer (American, 1836–1910)

1849–50

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Map data ©2025 Google

Michele Felice Cornè 1752 Italy – 1845 United States The Mount Vernon Meeting a British Squadron, 1800 Oil on canvas Gift of Mrs. Elizabeth C. Cook, 1935 M4170

這幅畫是一幅具有多方面傑出價值的清代藝術品。

最早、最大的中國藝術家所繪製的油畫。

首先，這可以稱得上是現存中國歷史上最早，尺幅最大的一幅油畫，儘管藝術家沒有留下簽名，但是這幅畫應該是來到中國進行貿易的西方商人訂製的。目的是為了懸掛到西方國家的商會、茶葉交易所、貿易公司等商業機構向公眾展示來自中國的珍貴貨物——武夷茶，是如何從福建的武夷山區開墾種植，灌溉採摘，翻晾烘培，再山程水驛轉運到廣州，在廣州港及黃埔島清關整備，最後船出虎門砲台，經伶仃洋入南海，遠航而去往西方，風靡歐美的全過程。

其次，由於那個時代沒有照相技術，所以，這張全景講述式的油畫便成為了西方公眾了解那個神秘富饒的東方中國的一扇重要窗口。儘管歷史學家常常告誡我們，不可直接用繪畫圖像去套現歷史，應為畫圖往往都是因襲了某種既有的範式，陳陳相因的元素使得畫面和當時真實的生活往往脫節；但另一方面，也有歷史學家指出，圖像給予我們的歷史感受往往比文字更真切，更深刻。這裡指的圖像就是那些具有原創性與突破性的藝術傑作。例如，這幅《茶葉植貿圖》便突破了同題材的範式，讓畫面的時空蜿蜒運移，有尺寸千里的豐富意向。更可貴的是，畫家頗具同理心的觀察與呈現了茶葉與中國社會的種種關連，例如茶作坊，茶販夫，茶行商與洋商，表達了他們豐富的內心世界，也為今天的我們了解當時的社會提供了生動的寫照。

Tea production in China, Guangzhou, c. 1800 AD, oil on canvas - Peabody Essex Museum - Salem, MA